De costa a costa, 8 imprescindibles

Galerie, que observa las mejores exposiciones de galerías de los Estados Unidos cada mes, viajó desde Nueva York a California para reunir las principales exposiciones de enero. Desde las abstracciones transformadoras de Rico Gatson que abordan cuestiones raciales en la Galería Miles McEnery de Nueva York hasta la artista emergente saudita Alia Ahmad que convierte escenas desoladas del desierto en pinturas de paisajes exuberantes en la Galería Kohn de Los Ángeles, estas son las exposiciones individuales estadounidenses que tenemos en la cima. de nuestra lista de visualización.

Rico Gatson, Cicely, 2022. Foto: Cortesía del artista y Miles McEnery Gallery, Nueva York

1. Rico Gatson en Miles McEnery Gallery, Nueva York

Rico Gatson, graduado de la Maestría en Bellas Artes de Yale en 1991, ha estado realizando y exhibiendo activamente trabajos en una variedad de medios, incluidos video, escultura, pintura y collage, durante los últimos 30 años. Ampliamente reconocido por su serie “Icon” de collages que conmemoran los faros culturales negros, que actualmente adornan una estación de metro del Bronx como enormes murales de mosaicos, Gatson presenta nuevas pinturas abstractas que exploran la historia, la raza y el poder a través de símbolos geométricos y colores vibrantes en “Spectral Visions”. .”

Las pinturas a gran escala sobre madera toman banderas confederadas, capuchas de miembros del Klan, dianas y ojos de cerradura como puntos de partida para abstracciones de vanguardia con rayas, círculos y triángulos gráficos, que se representan dinámicamente (y a menudo en capas) en una paleta vívida y palpitante. El brillo chispeante llama la atención sobre áreas seleccionadas de pintura negra, como para resaltar los temas sugeridos de irregularidades raciales. Prefiriendo mantener sus pinturas en una forma objetivada, el artista pinta sobre puertas de madera ya hechas (piense en portales que conducen a un lugar mejor) o tablones de madera, como en su pieza de múltiples patrones Sin título (Siete paneles). Los poderosos paneles se muestran más profundamente en la galería, donde también se pueden ver varias imágenes nuevas de “Iconos”, incluidas Cicely y Sidney.

Ryan Sullivan, Sin título, 2022. Foto: Ron Amstutz. Cortesía del artista y 125 Newbury.

2. Ryan Sullivan en 125 Newbury, Nueva York

La segunda exposición en el espacio del proyecto 125 Newbury del fundador de Pace, Arne Glimcher, que lleva el nombre de la dirección de la primera galería que abrió en Newbury Street en Boston en 1960, presenta nuevas pinturas abstractas de Ryan Sullivan. Cuando Glimcher vio por primera vez fotos de las pinturas, pensó que podrían ser obras del expresionismo abstracto, pero sintió algo diferente. Al realizar sus pinturas mediante la suspensión de pigmentos en resina, Sullivan actualiza el célebre proceso Ab Ex mientras lo pone patas arriba. Creado boca abajo en el suelo (lo opuesto a la forma de trabajar de Pollock), los gestos de improvisación de Sullivan sólo se vuelven visibles cuando la resina se ha endurecido y la pintura se retira de su molde que define la forma.

Tomando prestadas técnicas de la escultura, Sullivan hace un molde de caucho rectangular, le cepilla el fondo con pigmentos puros, vierte resina de grado industrial en él, agrega más pigmentos y resina, y luego fija para siempre el acto de pintar en el compuesto transparente. Sullivan está pintando el primer plano antes que el fondo, sin posibilidad de revisión. Max Ernst, al hablar de sus famosas pinturas frottage, hechas con calcos de pisos de madera en bruto, dijo que se sentía testigo de la realización de su propio trabajo, que es lo que Sullivan es aquí. Como espectador, es posible que espere encontrar pintura en la superficie de las seis pinturas sin título de la muestra, pero estas pinturas no tienen ninguna superficie. En cambio, toda la acción queda atrapada en el interior, como si estuviera en perpetuo movimiento. Hay un volumen en la forma interior, que frustra maravillosamente el concepto de lo que pensamos que debería ser una pintura, lo que la convierte en una visita que no debe perderse.

Hasta el 28 de enero

Vincent Fecteau, Sin título, 2022. Foto: © Vincent Fecteau. Cortesía de Matthew Marks Gallery, Nueva York y Los Ángeles

3. Vincent Fecteau en Matthew Marks Gallery, Nueva York

Vincent Fecteau, que recibió la beca “Genius Grant” de la Fundación MacArthur en 2016, es un artista nacido en Nueva York y radicado en San Francisco que hace esculturas de papel maché. Sin embargo, hay más en su trabajo de lo que esa descripción podría implicar. Parecidos a maquetas arquitectónicas de casas modernistas extravagantes o, como escribió un crítico, casas de muñecas brutalistas, sus objetos polimorfos de tamaño modesto evolucionan enormemente durante el proceso de construcción. Al hablar de sus esculturas, el artista ha dicho: "Empiezo con una forma, cambio esa forma, la cambio de nuevo, la cambio de nuevo, la cambio de nuevo". Si esto le suena extrañamente familiar, podría ser porque es similar a la máxima citada con frecuencia de Jasper Johns: “Toma un objeto. Hazle algo. Hazle algo más”.

Sin embargo, el resultado de los retoques de Fecteau con sus formas siempre cambiantes es brillante. Tomando meses para crear (supuestamente trabaja en múltiples piezas simultáneamente mientras inspecciona, da forma y sombrea), sus formas ambiguas se construyen a mano usando papel maché, junto con arcilla epoxi, yeso, madera, estopilla, hilo y pintura acrílica. Presentadas sobre pedestales colocados a lo largo del extenso espacio de la galería, las docenas de esculturas expuestas se ven sorprendentemente diferentes desde los puntos de vista orbitales (lo cual tiene mucho sentido cuando nos enteramos de que el artista pasó años trabajando como florista). Grandes pero humildes, las piezas de sorprendentes formas de Fecteau pasan maravillosamente de ser esculturas híbridas a pinturas híbridas, ingeniosamente realizadas por un maestro de ambos medios.

Hasta el 28 de enero

Peter Saul, GI with Machinery, 1965. Colección privada. Foto: © 2022 PeterSaul / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Cortesía del artista y Venus Over Manhattan, Nueva York

4.Peter Saul en Venus sobre Manhattan, Nueva York

Cuando el artista Peter Saul, de 88 años, se graduó en la Universidad de Washington en St. Louis a mediados de la década de 1950, hizo las maletas y se dirigió directamente a Europa; pero la suerte que le esperaba allí acabaría convirtiendo al precursor del pop art en una superestrella en Estados Unidos. Viviendo en París en 1960, el modernista chileno Roberto Matta, a quien Saúl nunca había conocido pero a quien le había enviado algunos dibujos, le presentó al marchante de arte Allan Frumkin. Cuando Matta sugirió a Saul conocer a Frumkin, el artista le mostró al marchante su obra, que compró y continuó adquiriendo y exhibiendo durante los siguientes 37 años. Al regresar a Estados Unidos, Saul enseñó en la Universidad de Texas durante casi 20 años antes de establecerse finalmente en Nueva York y encontrar un interés renovado en su trabajo.

Con un número creciente de exposiciones en museos y galerías internacionales durante los últimos 15 años, también ha aumentado la fascinación por el innovador trabajo del artista. Su exposición “Early Works on Paper (1957-1965)” ofrece 47 coloridas obras sobre papel que arrojan luz sobre su inventiva en esos años de formación. Adoptando el lenguaje del expresionismo abstracto, añadió objetos cotidianos para transformarlo en lo que pronto se convertiría en arte pop. Al crear pasteles y collages con personajes de dibujos animados, productos de consumo, sexo, soldados, violencia y la policía, Saul comentó irreverentemente las preocupaciones del día, que ahora se muestran en toda la galería, donde los espectadores pueden experimentarlas de nuevo.

Hasta el 21 de enero

Laurie Simmons, Imágenes en color/Fotos profundas (Walt/Dos mujeres), 2007-2022. Foto: Cortesía del artista y 56 Henry, Nueva York.

5. Laurie Simmons en 56 Henry, Nueva York

Celebrada por sus fotografías oníricas de figuras de casas de muñecas, muñecos de ventrílocuo, muñecos de amor de tamaño natural y objetos comunes sobre piernas, Laurie Simmons ha sido un elemento fijo en la escena artística de Nueva York desde finales de los años setenta. Miembro del movimiento artístico posmodernista conocido como Pictures Generation, que presentaba artistas que se apropiaban de imágenes y estilos de películas, revistas y otros medios de comunicación, Simmons ha empleado durante mucho tiempo figuras sustitutas en sus fotografías y películas para comentar inteligentemente sobre género, domesticidad, turismo, amor, moda y diseño.

Tocando todos estos temas, su exposición “Color Pictures/Deep Photos 2007–2022” reinventa un grupo de imágenes de mujeres de sitios de pornografía amateur que ella hizo 15 años antes. Al posar los personajes porno recortados en escenarios escenificados, que incluyen objetos apropiados y escenas combinadas con muebles de casas de muñecas, Simmons fotografió los cuadros pero nunca los convirtió en impresiones finales. Al revisar las imágenes el año pasado, el artista las imprimió a pequeña escala, las puso en marcos profundos, vertió resina transparente sobre las imágenes y añadió nuevos elementos para hacerlas aún más extrañas. A menudo perversas y a veces cómicas, sus impresionantes imágenes presentan cameos masculinos de íconos del arte y el entretenimiento, con Salvador Dalí, Willem de Kooning, Andy Kaufman y Walt Disney trabajando y jugando, junto a un complaciente elenco de mujeres fatales del tamaño de muñecas de papel.

Hasta el 15 de enero

Shahzia Sikander, Promiscuous Intimacies, 2020. Foto: Cortesía del artista y Sean Kelly, Nueva York y Los Ángeles

6. Shahzia Sikander en Sean Kelly, Los Ángeles

Shahzia Sikander, otra becaria de la Fundación MacArthur (que recibió la generosa beca genio en 2006), mezcla el arte de la pintura en miniatura del sur de Asia con formas y estilos occidentales contemporáneos en sus detalladas acuarelas, murales, mosaicos, esculturas y películas animadas. Formada como miniaturista en la Escuela Nacional de Artes de Lahore, Pakistán, antes de estudiar arte moderno y contemporáneo en la Escuela de Diseño de Rhode Island, sus interesantes obras exploran los roles de género y la sexualidad, las historias coloniales y poscoloniales, la identidad cultural y las narrativas raciales a través de la Fusión meticulosa de motivos tradicionales e imágenes contemporáneas.

Para su primera exposición individual en Los Ángeles, la exposición “Radiant Dissonance” ofrece una descripción general de los métodos de trabajo de la artista en todos sus medios. Los visitantes son recibidos por la instalación suspendida Epistrophe, que consta de sucesivas capas de papel de calco, cubiertas con patrones, símbolos y puntos pintados, que mezclan sus motivos abstractos y figurativos. Tres impresionantes mosaicos amplían la naturaleza mística de las pinturas en miniatura a una escala mayor, mientras que una película animada relacionada reestablece el método de narración de historias de la miniatura con movimiento y sonido. La única escultura de Sikander en la muestra presenta su primera incursión en el trabajo con bronce en Promiscuous Intimacies, que combina íntimamente la figura de Venus del cuadro de Bronzino Una alegoría con Venus y Cupido con una figura india Devata de la colección del Museo Metropolitano de Arte, una poderosa pieza, uniendo Oriente y Occidente para la eternidad.

Hasta el 7 de enero

Erik Parker, Buen intento, 2022 Foto: Cortesía del artista

8. Erik Parker en Over the Influence, Los Ángeles

Un artista visionario inspirado por la revista MAD, los cómics underground, el graffiti, el hip-hop, el dub y las teorías de la conspiración, así como por el arte de los Imagists de Chicago, Francis Bacon y Peter Saul, Erik Parker realiza fantásticas pinturas y dibujos de mapas biomórficos. cabezas retorcidas, jeroglíficos humorísticos, naturalezas muertas surrealistas y paisajes extraños que explotan exquisitamente el ámbito psicológico y psicodélico. Se mudó a Nueva York a fines de la década de 1990 después de estudiar con Saul en la Universidad de Texas, obtuvo una maestría en Bellas Artes de SUNY Purchase y pronto se puso en camino, con una divertida exposición individual, titulada irónicamente "Thiswhiteboysteals", en el moderno centro de Leo Koenig. galería.

Exponiendo en todo el mundo en los principales museos y galerías destacadas desde el año 2000, la exposición “Good Luck” del artista radicado en Brooklyn es su presentación individual número 40, lo que indica que la suerte sin duda ha estado de su lado. La exposición, que lleva el título de una de sus pinturas piramidales de jeroglíficos fundamentales, presenta una mirada a sus composiciones que requieren mucha mano de obra y estilos inventivos, que van desde tondos con retratos complejos y tablones totémicos con baratijas visuales hasta paisajes tropicales lisérgicos, al estilo de Henri Rousseau. . Parker, un freestyler poético, roba su jerga de los medios y fuentes musicales mientras explora Internet, anuncios y redes sociales en busca de sus imágenes hiperpictóricas.

Hasta el 15 de enero

Alia Ahmad, Hameel - Morning Rain, 2022 Foto: Cortesía del artista y Kohn Gallery, Los Ángeles

7. Alia Ahmad en Kohn Gallery, Los Ángeles

En su debut en una exposición estadounidense, que es su tercera presentación individual desde que obtuvo su maestría en 2020 en el Royal College of Art de Londres, la pintora saudí Alia Ahmad trae los exuberantes paisajes desérticos de su estudio en Riad a la galería de Los Ángeles para su exposición individual “من الحلم... روضة (Un prado... de un sueño)”. Fusionando su entorno natural en Arabia Saudita con una vívida imaginación, la artista de 26 años transforma un desolado entorno desértico en encantadores paisajes oníricos en una serie de lienzos abstractos a gran escala.

Comenzando con dibujos al carboncillo de los lugares que visita y bocetos in situ, Ahmad pinta escenas de paisajes naturales con una paleta de colores poco natural. Manteniendo sus pinceladas visibles, quiere que el espectador vea cómo está hecha la pintura, para mantener el ojo del espectador en movimiento a medida que se desarrolla su visión. Inspirándose en la fluidez visual de las pinturas y grabados japoneses Ukiyo-e y los cuentos del desierto contados por familiares y amigos, construye una nueva visión de la región a través de una ráfaga de marcas y un caleidoscopio de colores, una visión que se adapta a los emocionantes cambios. su país sigue viendo.

Hasta el 14 de enero

Suscríbete al boletín de la Galería